Teatri Randagi - PEDROLINO ALLA RISCOSSA
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testo e regia di Giuliano Bonanni
Spettacolo di commedia dell’arte ispirato al canovaccio seicentesco di Flaminio Scala “Il Cavadente”
Con Giuliano Bonanni, Chiara Donada, Tommaso Bernabeo, Rossella Gesini e Stefano Angelucci Marino
Produzione Teatro del Sangro (Lanciano)
Biglietti in vendita presso il botteghino del teatro (lun/ven 16.30/19.30) e online
La vicenda vede come protagonista Orazio, giovane di buona famiglia, innamorato perdutamente di Isabella, che ricambia il suo amore. Pantalone però, padre di Orazio e geloso del figlio, lo vuole allontanare dalla città. Solo Pedrolino e le astute donne potranno risolvere la situazione. Una scatenata commedia dal divertente intreccio, rivolta ad un pubblico di tutte le età. Com’è nella tradizione della compagnia il vivace spettacolo si muoverà in un collage linguistico sempre accattivante. Buon divertimento.
Bugiardi si diventa! il musical di Lena Biolcati, diretto da Silvia Di Stefano, con le coreografie di Angelo Di Figlia. Il cast è composto da allievi dell’Accademia dello Spettacolo di Ortona, che grazie all’incontro con conclamati professionisti e alla collaborazione del Teatro Stabile di Abruzzo e del Comune di Ortona, è riuscita a mettere in scena uno spettacolo totalmente inedito, confermandosi un’invidiabile “fabbrica di talenti”.
Ennio Flaiano. Gli aforismi, i ricordi, le riflessioni, i racconti, le massime perforanti, gli apologhi surreali e corrosivi: tra incanto e sarcasmo, si racconta un grande autore del Novecento. L'interpretazione di Franco Mannella e i molteplici suoni creati dalle percussioni di Giuseppe Militello, restituiscono, in 3Dimensioni, l'irresistibile miscuglio di illuminismo tenebroso e pessimismo comico, prima che cosmico, dello scrittore pescarese.
Che dire di Tinin Mantegazza che ha attraversato la cultura italiana dagli anni '50 in poi come umorista con disegni, vignette, dipinti , come teatrante con la creazione di pupazzi e personaggi, come regista e autore televisivo con programmi , striscie , cartoon e infine come sperimentatore di linguaggi fin dal cabaret '64 nella Milano di Gaber, Dario Fo , Cochi e Renato ? Oggi questo poliedrico artista sospeso tra poesia e umorismo, innamorato del mare adriatico e della Romagna, ha deciso di lanciare un' altra sfida alla cultura teatrale: uno Shakespeare in dialetto romagnolo.
APPUNTI DI SCENA:
Bloccati in una località chiamata “il palco”, un posto apparentemente fuori dal tempo e dallo spazio, Estragone e Vladimiro continuano ad aspettare un Godot che pare non voglia arrivare mai. Quello che per Beckett era un prato colmo di attesa e di speranza ora è una discarica dove il tempo e la disillusione hanno consumato le speranze, le attese, l’unico albero e forse, anche l’umanità dei protagonisti, e proprio quando la speranza ormai li sta abbandonando, ecco che arriva un vagabondo, vecchio, confuso e con la barba bianca. I due, spinti dal bisogno di dare un senso e un epilogo alla loro interminabile attesa, cercano in lui il Godot che da troppo tempo stanno aspettando. Ma le illusioni sono illusioni, e prima o poi, finiscono … oppure … si trasformano …
Impegnate in una partita di bingo dalle Focolarine, la Reverenda Madre, Suor Uberta, Suor Robertanna, Suor Leonella e Suor Amnesia sopravvivono alla fatale zuppa al finocchio che la povera Suor Giulia ha servito per cena alle 52 sorelle del Certosino Zelo. Tornate in convento le 5 protagoniste trovano tutte le consorelle con la faccia nella minestra!! Non avendo la possibilità economica di seppellirle tutte, sono costrette a conservare le ultime 4 sfortunate.. nel congelatore! Ma le amiche di Maria non si danno per vinte e mettono in scena uno spettacolo per raccogliere il resto dei soldi.... Uno spettacolo pieno di colpi di scena che ci racconteranno le interessanti storie delle nostre suore. Un musical travolgente che è stato 2° nella storia di Off-Broadway come permanenza continuativa in scena (8 anni) che ha vinto 4 premi, tra i quali quello come "miglior musical". Firma la regia di questo spettacolo il coreografo e regista Fabrizio Angelini; al suo fianco, Alessia de Guglielmo, una dei docenti di teatro della nostra Accademia. La collaborazione con questa importante personalità nasce dall'idea di mettere in scena questo musical come saggio finale dell'anno accademico, ma dopo aver contattato Angelini ed averlo portato a conoscere la nostra realtà, egli stesso si è reso disponibile con molto entusiasmo ad intavolare un vero e proprio rapporto di collaborazione, permettendo così alle allieve e ai maestri stessi di approfittare della sua grande esperienza e competenza. Un'occasione, questa, che l'Accademia non poteva lasciarsi sfuggire, visti gli sforzi (fisici ed economici) che stiamo affrontando per permettere agli allievi di studiare con persone di indubbia professionalità, e ai docenti di ampliare le conoscenze, e di apprendere metodi di insegnamento ancor più qualificati.
Tre personaggi e una sola storia che, per ragioni diverse, riguarda ciascuno di essi. Henry, Basil e Dorian. Sofisticato e fatuo come un vero dandy, il primo; morboso e solitario, il secondo; vanitoso e perfido il terzo, Dorian Gray, che nel romanzo di Wilde assurge a protagonista assoluto. In questa reinvenzione drammaturgica dell’opera, invece, il suo ruolo si equipara a quello degli altri due in uno smontaggio della trama narrativa ripensata nei termini di un’indagine processuale. Al centro dell’inchiesta, un mistero dall’intreccio tanto articolato da non essere noto, nella sua interezza, a nessuno dei tre. Henry, Basil e Dorian si avvicenderanno, così, in una serie di deposizioni corrispondenti ad altrettante visioni dei fatti. A tre punti di vista che, congiunti, offriranno allo spettatore la chiave di questo formidabile enigma, teatralmente concepito come una virtuosistica partitura per attore solista. L’incalzare del ritmo, sempre più marcato nel passare da un movimento all’altro, è tale da far maturare una suspense imprevista, e le atmosfere gotiche in cui matura la vicenda finiranno ben presto con l’assumere i connotati di un noir senza precedenti.
Non si entra in Molière senza conseguenze. Oggi come non mai la lezione di Molière è attuale, la sua capacità di penetrare il male in tutte le sue forme (sociali e psichiche), facendo ricorso alle armi della satira e della comicità. Molière ha utilizzato il comico come dispositivo per raccontare la violenza del mondo. “L’Avaro” è una commedia dove Molière riesce magistralmente a ridicolizzare all’estremo l’avarizia e la totale mancanza di sentimenti del vecchio Arpagone rendendole, soprattutto nelle scene in cui sono poste a confronto con gli impeti giovanili del figlio Cleante, drammaticamente amare. Il tema dominante è quello del possesso, dell’avere. Tutto può essere trasformato in denaro, anche i figli, gli amici. Una vera passione devastatrice che soffoca ogni sentimento e annulla la coscienza. Ancora una volta il gioco è l'amorevole massacro della Tradizione. Non “mettere in scena”, ma “mettere in vita” un testo antico: resuscitare Molière, non recitarlo. La tecnica della resurrezione parte dal fare a pezzi, disossare e così in questo “Avaro” Angelucci Marino ha alternato scrittura e ri-scrittura, seguendo e deformando lo scheletro del testo originario; ne esce fuori uno spettacolo ambientato in un settecento abruzzese, in un equilibrio carico di tensione scenica, tra realismo e visionarietà. L’operazione registico-drammaturgica, giocata tra re-invenzione, maschere della commedia dell’arte e burattini tradizionali, è consistita nel prendere questo classico della letteratura teatrale europea e rivisitarlo con rispetto e rigido scrupolo, ma anche con una tranquilla impudenza inventiva, rimescolando impavidamente squisitezze settecentesche e miserie oggidiane. Già da un decennio il Teatro del Sangro incentra una parte importante del proprio lavoro artistico sul recupero e la re-invenzione delle maschere e delle tecniche di Commedia dell’Arte. L’incontro con i burattini a guanto tradizionali (le Guarattelle) diventa quindi una tappa importante sullo sviluppo del lavoro artistico che la compagnia porta avanti nei propri spettacoli, cercando di combinare in una proposta originale i codici “parenti” del teatro d’attore, della commedia dell’arte e del teatro tradizionale dei burattini.
Due atti unici in cui il tema dominante è l’adulterio, ma se in Pirandello il fardello dei sensi di colpa e della paura si vive a livello psicologico, qui si sviscera dall’istintività dei personaggi, dipinti e fatti vivere da Verga in tutta la loro primordialità. Dall’aspro Verismo Siciliano di Caccia al lupo, tutto permeato dal fuoco di un istinto viscerale e sanguigno, che si confonde con la natura di una notte tutta fulmini, pioggia e vento, si passa ad un Pirandello che proprio con La morsa inizia la sua esperienza teatrale. L’idea dello spettacolo prodotto dal Teatro del Cerchio, sta proprio in questo passaggio Verga - Pirandello. Lo stesso tema trattato dal primo con un verismo esasperato, al secondo con una forza tutta affidata alla ferocia del lucido ragionamento.