Teatri Randagi - Pulginella contro tutti
- Pubblicato in Teatri Randagi
Giovedi 8 Aprile 2010 ore 21:00
di Ambrogio Sparagna e Stefano Angelucci Marino
con Ambrogio Sparagna, Erasmo Treglia, Valentina Ferraiolo, Rossella Gesini, Antonio Crocetta,Vittoria Oliva, Carmine Marino e Stefano Angelucci Marino
Regia Ambrogio Sparagna e Stefano Angelucci Marino
Ambrogio Sparagna/Teatro del Sangro
Biglietti in vendita presso il botteghino del teatro da martedì 6 aprile (16.30/19.30)
La scusa è quella di portare i bambini a teatro, a vedere l’abruzzese Pulginella (rigorosamente con la “g” per differenziarlo dal più noto cugino napoletano!), ma in realtà i grandi si ritrovano coinvolti in un mondo sì di burattini e maschere della commedia dell'arte, che richiama fanciullesche memorie, ma che propone il classico abruzzese di tutti i tempi, di ieri come di oggi, con un’attenzione accentuata verso la casa e verso una certa tranquillità da raggiungere nella vita. Pulginella incarna l’uomo più semplice, quello più debole, quello che nella scala sociale occupa l’ultimo posto. Dotato per compensazione di una furbizia eccezionale, riesce a prendersi gioco del potere e della prepotenza pur manifestando egli stesso paura, timore e tutti quei sentimenti che non sono dell'uomo di tutti i giorni. Ciò lo porta naturalmente a mettersi contro tutti e contro tutto. Queste sue avventure, proposte in “salsa” abruzzese, entusiasmano, coinvolgono e affascinano ancor più il pubblico grazie alla bravura e maestria di Ambrogio Sparagna, ambasciatore nel mondo della musica popolare, che fa sì che l’organetto ed altri strumenti della tradizione musicale del Sud non restino accompagnatori, ma protagonisti di questo spettacolo per quei grandi che fingono ancora di essere piccini.
Presentare questo spettacolo? Semplice. Parteciparvi significa entrare in un sogno e restarci impigliati. E’ un lavoro intelligente, una raffinata miscellanea dei linguaggi, che danno vita ad uno spettacolo sospeso, etereo e al contempo di una fisicità dirompente. Quadri pittorici tagliati, giocati, costruiti, esaltati da un uso sapiente di luci e scelte coreografiche, ancorché musicali. Così a tratti ti rapiscono i chiaroscuri caravaggeschi, le citazioni magrittiane. Lo spazio tagliato dai corpi, rotto dalle parole. Ricucito dal gesto nudo. Essenziale. Mai superfluo. Preciso. Le scarpe rosse dal tacco alto di lei e quelle nere di lui si incontrano in un tango a bordo palco. Fiori rossi, squarci di colore nel buio. Insomma uno spettacolo da vedere e non da raccontare.
Sublime maestro della persuasione, crudele per scelta e per destino, Riccardo III non è solo uno dei “cattivi” più famosi del teatro di tutti i tempi, ma è molto di più. E’ un personaggio seducente, manipolatore, non teme di autocommiserarsi per ottenere i suoi scopi, mente spudoratamente e ride di chi gli crede, disprezza persino chi lo sostiene, è abile politico e grande improvvisatore. Quella disegnata da Ferrini diventa allora, per usare le sue parole, una "agghiacciante parodia dei tempi moderni", ambientata in una scuola elementare, luogo dove si forma la coscienza collettiva e dove poi torniamo, “da grandi”, ad eleggere i potenti che ci governano. La deformità di Riccardo, origine del suo odio e della sua brama di potere, viene proposta da Ferrini come un uomo costretto in una sedia a rotelle, scelta che amplifica il già altissimo grado di difficoltà interpretativa di un ruolo come quello del duca di Gloucester.
Pur se si tratta di un testo poco rappresentato, è senza dubbio un capolavoro del teatro pirandelliano per il forte profilo dei personaggi: un nucleo di diseredati, spinto con forza ai margini della società, che decide di cambiar vita e di esiliarsi da sé, per costruire una nuova società, un nuovo mondo, che si rivela come ferma volontà di redenzione, dando una seconda opportunità di liberarsi da un passato di illegalità, visto che la cosiddetta società civile non ci pensa neanche, avendoli marchiati a vita come reietti. Tutto ciò ci viene proposto attraverso i ricordi di Dorò, il personaggio più giovane, cerniera fra il mondo dei ricchi e “padroni”, a cui appartiene, e il mondo dei pescatori che lo affascina e che lo adotta per la sua purezza d’animo. Accanto a lui prende vita la figura della Spera, protagonista femminile e nucleo della storia. La musica dal vivo ed il ricorso alle maschere completano lo spettacolo, riuscendo, come per magia, a riprodurre le atmosfere, il clima, gli ambienti ed i motivi anche intimi dell’opera di Pirandello.
E' il 9 novembre 1986: il Napoli vince a Torino, iniziando la corsa verso il suo primo scudetto. E' la storia di un giorno che cambiò migliaia di anime e di un esilarante viaggio andata e ritorno dove tutta la città di Napoli accompagnò la sua squadra fino a Torino per sfidare il mito della Juventus in casa sua. Si poteva perdere ma i "ragazzi" avrebbero certamente combattuto, si poteva pareggiare e sarebbe stato splendido così... La verità è che nessuno si era ancora reso conto che stavolta, con loro, c'era un uomo vero, grande, forte, un vero eroe! E non era Masaniello...
Il titolo riassume in se stesso proprio tre aspetti più generali, tre modelli morali come: l'uomo, che è il Professor Paolino, la bestia, che è il violento e irascibile Capitano Perella, la virtù che è la remissiva Signora Perella, moglie trascurata del Capitano e amante del Professore. La messa in scena è semplice, fedele e spontanea pur mantenendo la complessità dell’opera e dell’autore stesso, maestro dello “spessore” delle parole pronunciate, spesso con sottile ferocia, dai personaggi. Gli attori si presentano “mascherati” da un trucco vistoso e marionettistico e le luci, riportano più ad un concetto di “Futurismo” che di realizzazione teatrale. I costumi sono ricercati così come la scenografia, essenziale e precisa, che ben supporta la messa in scena. I toni sono brillanti e mai noiosi, sottili ed ironici come solo Pirandello sapeva fare.
Sono 16 anni che rappresentiamo questo spettacolo in giro per l’Italia.
Con Romeo e Giulietta, Shakespeare porta in scena la più alta e suprema indagine poetica sulla vera natura dell’Amore e, insieme, una profonda meditazione sulle insidie del linguaggio, incapace di contenere e rappresentare il Reale, (What’s in a name? fa pronunciare alla sua giovane protagonista) quindi, in ultima analisi, sulla propria Arte.